Краткая история искусств для фотографов.
Задачи статьи - ёмко (насколько это возможно) рассказать о развитии искусства и его основных этапах. Нам, как фотографам, в первую очередь интересна живопись, но так как эта история начинается 3000 лет назад, и картины не сохранились, начнём со скульптуры и других находок того периода.
Если вам хочется максимально углубиться в тему, то крайне советую начать с книги: "История искусств. Просто о важном. Стили, направления и течения" Алина Аксёнова.
Гомеровский период 9-8 век до н.э. (почти 3000 лет назад).
Зарождение Греции и греческого искусства. Об этом периоде очень мало информации, но считается, что именно тогда жил Гомер, написавший «Илиаду» и «Одиссею» - в честь него и назван этот период.
Остатки глиняных горшков говорят о том, что они украшались простейшими геометрическими рисунками. Стиль назвали геометрическим или геометрикой.
Постепенно рисунки усложнялись и даже стали появляться изображения людей:
Дошедшие до нас статуэтки, очень схематичные, похожие на детскую лепку:
Архаика - в переводе с греческого: «древность». 8-6 век до н.э. (≈2700 лет назад)
Рисунки на вазах усложняются, на них появляются животные и фантастические существа. Изображения становятся реалистичнее. Стиль называется «восточный».
Появляются более реалистичные статуи:
Все мужские статуи называются «куросы» с греческого - юноша. А все женские Коры - девушка. Коры в отличие от куросов всегда одеты.
Характерной чертой является лёгкая улыбка - это попытка показать жизнь - «ведь улыбаться может только живой». Глаза были больше чем надо и выпуклые - возможно, чтобы можно было их проработать и сделать более выразительными. А также простые, не очень естественные позы, руки чаще всего были вытянуты вдоль тела и прижаты - это проще при изготовлении. Лишь в конце периода руки стали иногда подымать.
Греки считали человека высшим существом - поэтому всё искусство было сосредоточенно на образе человека. Они первыми стали изображать богов как обычных людей, а не фантастическими существами как, было в древнем Египте.
К концу периода статуи становятся сложнее, но попытка показать жизнь с помощью выпуклых глаз и лёгкой улыбки осталась. Что иногда приводило к нестыковкам. Например, скульптура «Умирающий воин».
Это большой прорыв в позе, тут даже проработаны вены, которые вздулись от напряжения. Но вот улыбка на лице совсем не в тему. Мы понимаем, что развитие искусства шло постепенно, позу уже усложнили, а неестественное выражение лица делали ещё по "привычке".
≈2600 лет назад начинается период - Классика.
В это время греки создали большинство своих выдающихся скульптур. Одна из самых известных - Дискобол - «Метатель диска».
Это уже очень сложная поза, которая передана крайне реалистично. Лицо уже без улыбки и больших глаз. Спокойное лицо, которое не очень соответствует напряжённой позе - это попытка передать внутреннюю гармонию атлета, уверенность.
Греки считали, что эмоции - это признак дикости, что достойный человек должен быть всегда спокойным и уравновешенным. А также красота тела - это доказательство красоты души. У них был очень большой упор на внешнюю красоту.
Ещё у греков была страсть к упорядочиванию и структуре. Считалось, что благодаря этому разум может упорядочить хаос. Структура и порядок во внешности - свидетельствовали о наличие разума.
В этот период скульптор Поликлет создаёт «идеальные» пропорции человека. Например, размер головы - должен 7 раз умещаться в росте человека, а кисть 10 раз и так все элементы, даже фаланги пальцев были прописаны. Данные пропорции и сейчас считаются классическими.
Мистические образы практически не используются. На одном из храмов есть изображение битвы людей и кентавров. Люди (греки) со спокойным и величественным выражением лица, а кентавры с яркими эмоциями - признак дикости. Это символ борьбы разума и хаоса. Скорее всего, кентавры олицетворяли персов, с которыми греки воевали.
Помимо идеальных пропорций создаётся приём - хиазм (chiasmos — крестообразное расположение).
Хиазм — изображение стоящей человеческой фигуры, в которой тяжесть тела перенесена на одну ногу; поднявшемуся бедру соответствует опущенное плечо, а другому опущенному бедру — поднятое плечо. Неравномерное напряжение тела. Благодаря чему статуи выглядят намного естественнее.
Мы и сейчас используем это при работе с моделью на съёмках, и важно не забывать, что если плечи получаются не на одном уровне, то голова модели должна быть наклонена в сторону более высокого плеча, иначе будет ощущение завала тела и неустойчивости.
Поздняя классика. ≈2500 лет назад.
Характерная черта этого периода - это появление эмоций и чувств. Лица статуй приобретают индивидуальность, они больше не однотипны. Изображения героев становятся очень жизненными.
Появляются и другие усложнения. Например, в статуе Гермеса, чтобы подчеркнуть нежность кожи Бога, скульптор рядом изобразил мятый грубый плащ, на контрасте с ним кожа выглядит ещё мягче и нежнее (отличная идея для фото девушек):
Эллинизм - начинается ≈2300 лет назад.
Благодаря Александру Македонскому греческая культура распространяется на соседние территории. Если раньше статуи не превышали 2-3 метров, а храмы были до 20 метров в высоту, то в этот период начинают появляться скульптуры и храмы больших размеров. Это объясняется тем, что "руководители" мелких территорий имели огромные амбиции и пытались заявить о себе через искусство.
Статуи начинают достигать в высоту 5 метров, а строения - 50 метров (это как современная 16ти этажка). Также есть и совсем миниатюрные строения и скульптуры.
Самым известным произведением эллинизма является Афродита Милосская, более известная, как Венера Милосская.
Скульптура наполовину обнажена, а до этого женские статуи были прикрыты одеждой. В ней сочетаются сложные изгибы и естественность - она похожа на живую. Также очень сложно для того времени сделана драпировка ткани.
Венера Милосская воплощает идеализированную форму женской красоты в древнегреческом искусстве. Статуя оказала значительное влияние на западное искусство и культуру. Скульптура вдохновляла бесчисленное множество художников, писателей и мыслителей на протяжении всей истории человечества.
Считается, что в этой статуе завершается путь греческой скульптуры от неподвижного камня к живому человеку!
Искусство древнего Рима
Греческий и римский период называется - античность. Но подход к жизни, а значит, к культуре и искусству у них был разный.
Греки в своём искусстве стремились к образу идеального человека. В их статуях не было изъянов, там были строгие «идеальные» пропорции. Для греков внешняя красота была крайне важна. Практически невозможно допустить, чтобы в их обществе, не красивый человек, а тем более человек с уродствами или отклонениями от их «норм» добился бы хорошего положения и успехов.
В то время как Римская культура стремилась к реалистичности. Внутренние качества были важнее внешних. Статуи показывали несовершенных людей. Ещё одно отличие: если у греков лица статуй были однотипные, неэмоциональные, умиротворённые и «идеальные». У римлян все лица были разные, очень хорошо проработанные, с изъянами и недостатками, ведь это просто внешность, а ценность человека в его внутренних качествах, умениях, знаниях.
Римляне обращают внимания на мелочи, у одной из статуй, у обуви одна подошва толще другой, потому что человек имел разную длину ног. Греки никогда бы не сделали статую несовершенного человека. Да и вообще, греки никогда не прорабатывали такие мелочи.
Но, примерно 2000 лет назад, Рим перестаёт быть республикой и становиться империей. Изменения политики отражается на жизни, а значит, на искусстве. Император должен быть безупречен, статуи сохраняют портретное сходство, но изъяны уже не показываются, пропорции и формы более «правильные», чем были на самом деле.
А вслед за императором и другие богатые люди захотели себе приукрашенные статуи, "искусство римской империи начинает льстить герою".
В какой-то момент императоров даже начинают изображать в божественных образах.
К 200му году нашей эры искусство древнего Рима встаёт на поток. Есть несколько стандартных тел: оратор с вытянутой рукой, воин и т.д. И в мастерских стоят заготовки этих тел, а когда приходит клиент, мастеру надо сделать голову, похожую на заказчика, и присоединить к нужному телу. Также до этого времени статуи обычно раскрашивали, но теперь цвет перестают использовать.
Важнейшей частью искусства Рима к этому моменту становится оформление римских вил. Дома были шикарные, очень комфортные, могли иметь до 40 комнат.
В этот период приходит понимание перспективы. Это позволяет визуально расширить пространство помещений, рисовать ниши, углубления и даже колонны, за которыми как будто продолжается комната.
К концу римского периода, при оформлении различных ваз, кувшинов, столиков, стульев и другой утвари, полностью исчезают какие-то скрытые смыслы или символические моменты. Появляется только две задачи: предметы должны быть удобные и красивые. Украшение без дополнительного смысла - это зарождение дизайна.
≈1500 лет назад, начинается средневековье.
Рим делится на две части: Западная Римская империя и Восточная Римская империя, которую теперь называют Византией.
Византия становится как бы продолжателем римского искусства, а западная захвачена варварами (бриты (будущая Англия), германские и другие племена). Они приносят и свою культуру, которая, мягко говоря - сильно отстаёт.
Византия.
Падение экономики приводит к тому, что основным заказчиком искусства становится церковь - иконы, фрески, мозаики в храмах. Мастера в основном могли зарабатывать только на этом.
Религиозность вносит свои коррективы. Изображались не люди, а Боги! Божественность подчёркивалась нереалистичностью, это духи, а не тела людей - объём перестаёт быть важным, плюс обратная перспектива, чем предметы дальше, тем они больше:
Реалистичность падает. Устанавливаются церковные каноны. Строгие порядки во всём, в том числе и изображениях. Автор не мог привносить что-то от себя, улучшать свою технику. Изображения сильно упрощаются, герои всегда анфас, плоские и невыразительные, темы только религиозные и т.д. Это продлится почти 1000 лет.
Это распространяется по всей Восточной империи и за пределами.
Русь становится преемницей многих традиций византийской культуры. У нас также основным заказчиком в этот период является церковь. Русские иконописцы имеют превосходство над византийскими в плане техники. По сей день, на аукционах, их работы считаются самыми дорогими из всех художников того периода. Самые известные: Андрей Рублев, Симон Ушаков, Феофан Грек, Дионисий, Гурий Никитин и другие:
Территории Западной Римской империи.
Империя разбивается на множество осколков. Германские и другие племена максимально далеки от культуры не то что Рима, но и Древней Греции.
Нестабильная жизнь, постоянные войны, приводят к тому, что мастера, которые что-то могли, старались уехать в Византию или умирали. А новым неоткуда было взяться, люди заняты выживанием.
Да и нет смысла пытаться строить какие-то храмы, делать статуи или писать картины - их всё равно уничтожат при набегах и войнах. Искусство проявляется в мелких предметах, которые можно носить с собой, брошки, рукоятки ножей и т.д.
В это время происходит переход от папирусного свитка к кодексу: сшитые страницы пергамента, прототип книги. В них начинают появляться рисунки, которые становятся основным направлением искусства на европейских территориях:
Искусство тут очень сильно откатывается назад и стопорится практически на 1000 лет. Пример европейской картины 800ых годов нашего века:
В 900ых годах во Франции к власти приходит Карл Великий - который очень любил античность, он пытается начать возрождение. Возвращается интерес к Греческой философии и Римской истории. Но каких-то выдающихся результатов это не приносит.
Лишь после 1000-ого года жизнь в Европе начинает немного успокаиваться. Немецкие и подобные племена перестают уже быть варварами и начинают ассимилироваться, повышают свою культуру.
В 1100 году формируется романовский стиль. По-нашему его логичнее называть Римским. В Европе Рим назывался Рома (Roma), отсюда и название - романовский.
Европа пытается копировать римскую архитектуру, скульптуру и т.д. Начинают строить храмы. Развивается паломничество, из-за чего возникает необходимость строить прочные здания большого размера. Храмы становятся массивными. Но строения ещё не догоняют размеры построек древнего Рима.
Так как большинство жителей не умели читать, то стены храма снаружи расписывались рельефами, на которых рассказывались какие-то религиозные истории, так называемая «Библия для неграмотных».
Уместить надо было много, делать надо было быстро - фигуры располагались очень близко, часто искажались и особо не прорабатывались.
Как написано в одной из книг: «Романские фрески как будто нарисованы ребёнком»
В рисунках и скульптуре была одна цель - понятное и последовательное изложение религиозных историй.
Готика (начало в 1300-ых годах)
Благодаря новым инженерным приёмам, появилась возможность строить более высокие здания, причём с большими окнами и не массивными опорами. Храмы устремляются вверх, визуально стали меньше весить, а выглядеть замысловатей. Внутри стало намного светлее.
Идёт развитие скульптуры с той лишь разницей, что статуя - это больше не самостоятельное произведение, а лишь часть украшения храма. По-прежнему в скульптуре и живописи приоритет именно в рассказе религиозных истории и поучение, а не в мастерстве мастера, техничности и красоте. Готическая живопись схематична.
Эксперты называют готическими только то, что создано в XII—XVI века. Все более поздние работы в подобном стиле — это неоготика.
Проторенессанс или Предвозрождение
Пока во Франции, Германии, Нидерландах и других странах Европы царит готика, где главная задача схематично рассказать историю, в Италии начинает возрождаться красивое сложное искусство, требующее высокого мастерства творцов.
Важную роль тут сыграл Джотто ди Бондоне, мастер, который первым начал менять Византийские каноны. В его работах появляется реализм, начинают появляться детали, объём. Люди стали больше похожи на людей, чем на какие-то упрощённые образы. Появляться что-то, что можно назвать «нормальной перспективой», появляется трёхмерность.
Это важный шаг в искусстве и мышлении. Божественный мир стал изображаться не как противоположный нам, а стал приобретать земные черты. У небесных героев, впервые за 1000 лет, начинают появляться реалистичные эмоции.
Для примера, картины с одним сюжетом: «Оплакивания христа». Сверху «классический» пример иконы по византийским правилам, а снизу Джотто ди Бондоне.
Это ещё не похоже на то, что мы подразумеваем под эпохой Возрождения, но уже видны шаги в эту сторону!
Самый смелый из шагов Джотто - это замена золотого фона на синий. Тем самым художник окончательно «переселил» библейских персонажей с небес на землю, и потом так стали делать другие!
Описывая стили, я старался приводить примеры картин с самыми характерными его чертами. Но на практике редко получается точно сказать по картине, к какому конкретному стилю она относится. Часто при описании картины можно прочитать: "мы видим, что на это произведение оказал влияние стиль барокко" или что-то подобное. Также часто пишут, что на картине видны следы нескольких стилей и т.д. Чёткое деление по стилям далеко не всегда возможно, и оно вызывает много споров среди искусствоведов. Но, думаю, нам интереснее наблюдать за общим течением развития искусства, а не деление его на условные группы.
Раннее возрождение или Кватроченто.
1400-ые годы.
Кватроче́нто, также кваттроченто (quattrocento, — четыреста, а также четырёхсотые годы, то есть «1400-е годы»).
Итальянцы стали быстрее других осваивать реалистичные приёмы и сложные техники, так как они могли обратиться к искусству древнего Рима, в отличие от Германии, Франции и других европейских стран, у которых в прошлом были лишь простейшие зачатки искусства.
Отсюда и появляется термин «Возрождение» - это возвращение итальянцев к своему культурному прошлому.
Филиппо Брунеллески придумывает систему расчётов, позволяющую на плоскости, реалистично изобразить трёхмерное пространство. До этого была известна иллюзия глубины, но она была примерной и часто с ошибками. Точного понимания, насколько объект должен уменьшаться в зависимости от удаления не было.
Мазаччо был первым, кто воплотил закон математичкой перспективы в картине «Троица»:
Распятие вписано в архитектурный интерьер, и благодаря этому мы видим, как линии, идущие от нас, стремятся в одну точку. Кроме того, изображённая архитектура восходит к римским образцам. Арка и углубления в её полукруглом своде, греческие колонны — это прямая отсылка к античному искусству, на которое ориентируется всё итальянское Возрождение.
Обратная перспектива в иконе показывала центром мира Бога, который взирает на человека — точка схождения линий находилась за пределами иконы. Прямая (правильная) перспектива картины сказала, что мир таков, каким его видит именно человеческий глаз.
Примерно в это же время в живописи появляется новый жанр - портрет. Но портреты были в профиль:
Тут есть ряд причин. Деньги на портрет были только у богатых людей, и они хотели подчеркнуть свою статусность. Например, лицо императоров на монетах всегда чеканилось в профиль - а кому не хочется быть как император?
Помимо этого, солидности профильному портрету придавали донаты, точнее, донаторы!
Донатор (на латыни donator - даритель) - заказчик, организатор и покровитель строительства католического храма, либо заказчик и даритель украшающего храм дорогостоящего произведения изобразительного или декоративно-прикладного искусства.
Людей, подаривших деньги, было принято изображать на картинах или фресках. И чтобы подчеркнуть их важность, их старались изобразить поближе к священным образам. А как ещё смертный может быть изображён рядом с божеством? Правильно, в молитвенной позе! Это хорошо видно на этой картине, в нижнем левом углу изображён донатор:
Профиль людей писали максимально точно и узнаваемо (чтобы все знали, кто пожертвовал деньги) - это было очень солидно. Прошло почти 100 лет, прежде чем на портретах лицо развернулось на 3/4. С тех пор и по сей день изображение портрета с таким поворотом самое популярное!
До этого времени, практически 1000 лет, искусство имело в основном религиозную направленность, и только сейчас в него начинает попадать светская реальность - архитектура, причёски, одежда, украшения, бытовые предметы и т.д.
Картины этого времени от готики отличают правильные пропорции фигур, точная перспектива. Также появляется воздушная перспектива - дальний план становится бледный, показывается плотность воздуха. Картины перестают быть похожи на детские рисунки.
Остаётся одна проблема, цвета очень яркие и нет плавных переходов, границы между цветами резкие, картины выглядят излишне пёстро. Главная причина была в краске, мастера использовали темперную красу, на основе яичного желтка. Краска была плотная и цвета очень плохо смешивались, не было возможности накладывать слои друг на друга, делать плавные переходы и получать разнообразие оттенков.
Характерные моменты для этого времени: появление светских элементов, появление античных образов, постепенный уход от церковной темы, но церковь по-прежнему является крупным заказчиком, поэтому библейские сюжеты сохраняются. Также стали делать упор на множество деталей в окружающей среде (раньше даже главных героев не особо прорабатывали). Деталей, правда, иногда избыточно:
Начинают делать сложные ракурсы и реалистичные переходы света:
В скульптуре XV века проявились те же тенденции, что и в живописи: интерес к человеку, достоверность, обращение к античности и светским сюжетам.
Высокое возрождение. Первая четверть XVI века
Ранее Возрождение - это период поиска, экспериментов, обучения! А период Высокого Возрождения - это утверждение в искусстве новых идеалов. Это время, когда не только человек видится идеальным, но и мир кажется таким же прекрасным и упорядоченным.
Это время таких мастеров, как: Леонардо да Винчи, Микеланджело Буонаротти, Рафаэль Санти, Джорджовне ди Кастельфранко и Тициан Вечеллио.
Появляется масляная краска, с прозрачной лёгкой текстурой, что позволяет делать плавные переходы, прорабатывать тона и множество оттенков.
Леонардо да Винчи является важнейшей персоной этого времени. Но надо понимать, что он был ценен в первую очередь как теоретик искусства. У него довольно мало картин, и сами картины больше как пример его открытий и техник, а дальше художники, используя это, будут создавать настоящие шедевры.
Например, популярная сейчас Джоконда, примерно 400 лет не вызывала большого интереса именно как произведение искусства, пока в 1911 она не была украдена, и журналисты не создали вокруг неё «хайп», так как имя автора было хорошо известно и вызывало любопытство. Именно тогда были придуманы все байки и легенды о её тайнах и особенностях - потому что любая информация очень хорошо заходила в СМИ. Поиски картины заняли 2 года. Представьте, сколько всего успели навыдумывать журналисты за это время.
Есть множество источников, где искусствоведы больше внимания (именно как к картине) отдают произведению: "Дама с горностаем" (на самом деле это белый хорёк). Для современников она также была ценней Джоконды.
Обратите внимание на мизинец:
Леонардо прорисовывает свет, который отразился от шерсти животного и подсветил мизинец. Раньше на это никто не обращал внимания. Такие «мелочи» очень повышают реалистичность картин и удовольствие их разглядывать.
Я думаю, многие знают эту картину, но единицы знают, что тут не два, а три главных героя!
А ведь эта птичка - главный символ картины, и находится в самом центре у сердца Мадонны. Если в двух словах, то легенда такая: когда Иисус шёл на Голгофу, щегол пролетел, вырвал шип из тернового венца, и капля крови попала ему на голову. С тех пор у них там красный цвет. А щегол символизирует распятия, страсти и тд.
Интересно, как используется синий цвет накидки, а отворот противоположного (комплиментарный) цвета, и потом то же самое в окнах - синий и комплементарный цвет на откосах. В самом центре яркое красное пятно - возможно, как раз, чтоб привлечь внимание к птичке.
Дополнительный цвет к синему - это оранжевый и близкие к нему.
Вместо оранжевого можно использовать желтый и красный - так как в этом случае для глаза происходит как бы смешивание - желтый плюс красный - это и есть оранжевый.
Поэтому яркое красное пятно тут компенсируется бледными кожными оттенками (около желтые) - которые в сумме дают нам подходящий цвет для синего. Законы колористики во всей красе.
500 дет назад, Леонардо создаёт «Энциклопедию цвета», которая актуальна по сей день.
Позже он изобретает приём «сфумато», что по-итальянски означает «дымка». Воздух, как бы обволакивает предметы на картине, делает все контуры и переходы цвета плавными и мягкими. Границы объекта слегка размытые. Техника сложная, и для полного описания нужно делать отдельную статью. Тут нам главное - понять общую идею.
Можно сказать, что он "придумал" ГРИП на картинах, границы объекта нечёткие, а дальний план размыт.
Леонардо создаёт жанр - пейзаж. До него природа изображалась лишь как элемент заднего плана. Также Леонардо теперь изображает образы главных героев не на фоне природы, а внутри:
Здесь Мария, Христос, Иоанн и ангел расположены в самом пейзаже, и удалены от зрителя по-разному. Их фигуры расположены уже не на одной горизонтали, как в эпоху Кватроченто. Фигура Марии служит осью и вершиной пирамиды, а три линии, которые можно провести от её головы к остальным героям, образуют три ребра.
Леонардо разрабатывает принципы композиции - уравновешенность. Фигуры и объекты уже не хаотичны, а взаимосвязаны - появляется целостность!
Если Леонардо ценен именно открытиями, а не картинами, именно тем, что он дал инструменты другим художникам, то Рафаэль Санти как раз наоборот, он не сделал открытий, но показал, насколько прекрасными могут быть картины.
Он полностью овладел глубиной изображения. Герои размещены на разных планах. Посмотрите, как сокращаются в перспективе арки. Создаётся ощущение, что вы стоите прям там и по-настоящему всё это видите.
Разбирать эту картину, да и работы следующих мастеров можно крайне долго, нам лишь надо понять суть - происходит огромный рывок, и создаётся основа, которая является базой и сегодня.
Скульптура в руках Микеланджело доходит до своей совершенной формы, и вряд ли уже получиться как-то это превзойти.
Развитие искусства идёт и в остальной Европе. Оно весьма своеобразно:
или работы Иеронима Босха
В картинах на тему «поклонение волхвов» с 16 века всегда один из них будет чернокожий,чтобы показать, что к богу могут прийти все.
Важным событием этого времени является изобретение печатного станка, появляется такая техника, как гравюры.
Гравюра — это отпечаток рисунка, который создают на деревянной, железной или пластиковой пластине.
Поначалу эта техника давала возможность делать массовые изображения: игральные карты, развлекательные картинки и т.д.
Но со временем этой техникой заинтересовались серьёзные мастера, и она стала на одном уровне с другими видами искусств.
Искусство 17 века.
Академизм
Для художников 17 века искусство эпохи возражения имело огромный авторитет. Было даже мнение, что это единственный образец для подражания. В конце 16 века была основана художественная школа, которую назвали «Академия». Они стремились взять самые сильные стороны Леонардо, Рафаэля и других мастеров ренессанса. Так и возник стиль - академизм
Караваджизм
Микеланджело Меризи да Караваджо (не путать с предыдущим Микеланджело) - заявил о других живописных принципах.
Картина наполнена натурализмом, отталкивающими реалистичными подробностями, которые невозможно представить ни у Рафаэля, ни у академистов.
Именно в его картинах впервые появляется особое освещение — «тенебросо», от итальянского «мрачный, тёмный», тёмный ключ так сказать.
В 17 веке особый упор начинают делать именно на реалистичность. Одна из главных причин в том, что католическая церковь быстро теряла свои позиции, и церковь возлагала большие надежды на искусство. Она делала много заказов и ставила задачу показать библейские сюжеты максимально реалистично и изображать различные эмоции и драматизм, чтобы заставить зрителя сопереживать. Картины должны быть красивыми, реалистичными и оставлять большое впечатление!
Барокко
На фоне этих перемен рождается новый стиль - барокко -это португальское слово, которым моряки называли жемчужину неправильной формы. Позже стало синонимом роскошности. Поэтому данный стиль и получил такое название, так как главная характеристика барокко - это пышность. Его ещё называют парадным, торжественным искусством.
Яркий представитель Питер Пауль Рубенс.
«Барокко, предполагая максимальную вовлечённость зрителя в мир картины, стремится держать его в сильном эмоциональном напряжении, для чего часто обращается к самым кульминационным эпизодам священной истории. Это настроение подчёркивается динамичными позами, физическим напряжением тел, сложными ракурсами.»
Как пример русских работ в этом стиле можно взять Григория Угрюмова «Испытание силы Яна Усмаря»:
Портрет
В 17 веке появляется парадный портрет. Задача подчеркнуть социальный статус, положение в обществе, вызвать у зрителя чувство уважения. Людей изображали максимально точно, старались в позе и мимике передать реальные черты характера. Но, если были какие-то дефекты, их не стеснялись показать.
Помимо парадного портрета, распространяется «бытовой портрет». Сейчас бы это назвали «психологический» портрет! Желание показать внутренний мир, эмоции, момент и тд. Яркий пример «Цыганка» голландского мастера Франца Халса:
Но самым известным художником этого периода является Рембрандт Харменс ван Рейн (1606-1669)
Также в это время распространяется групповой портрет. Тут надо сказать, что для многих портрет - это крупное изображение лица. Но это не так. Портрет — это изображение или описание какого-либо человека, либо группы людей, существующих или существовавших в реальной действительности.
В Голландии из-за особенностей климата - долгая зима, дождливая весна и осень - приводят к популярности интерьерной живописи:
Классицизм.
«Эмоциональному и динамичному барокко можно противопоставить рассудительный и строгий классицизм — стиль, возникший в XVII веке во Франции. Если барокко — это хаос и вихрь, то классицизм — степенная упорядоченность.
Само название говорит о том, что главным ориентиром классицизма стало классическое искусство Греции и Рима.»
Эта картина похожа на барокко, но тут уже всё сильно спокойнее и статичнее.
Со временем стиль окончательно сформировывается: классицизм не показывает реальное — он снова склоняется к демонстрации лучшего, идеального. А идеал — это спокойствие.
18 век
В начале 18 века основные стили - это барокко и классицизм. Но появляется новый тип пейзажа - "ведута" - городской пейзаж. Это картины, рисунки или гравюру с детальным изображением повседневного городского пейзажа и знаменитых памятников архитектуры. Характерной особенностью является фотографическая точность в изображении архитектуры, вплоть до мельчайших деталей, графичность в соединении с особенным чувством глубины изобразительного пространства.
Художник, который стал основоположником ведуты, — Антонио Каналетто.
В этом стиле работали и у нас, Федор Алексеев «Вид Дворцовой набережной от Петропавловской крепости»:
Рококо
В 18 веке появляется новый стиль - рококо. С французского - раковина. Узоры, напоминающие морскую раковину, повторяются в лепнине, мебели тд
Морская раковина — нечто хрупкое, утончённое, изящное и, в общем-то, бесполезное — хорошая характеристика этого стиля. Главные его герои — жизнерадостные и легкомысленные аристократы, нередко плетущие придворные интриги, любящие балы, театр, нарядную одежду, сладкие десерты и прогулки в парках.
Схожие изменения происходят и в портрете, одним из ярких примеров является работа Томаса Гейнсборо «Портрет миссис Ричард Бринси Шеридан»
Главными героями в искусстве рококо чаще являются женщины, а не мужчины.
КАРИКАТУРА
В конце 18 века появляется жанр «карикатура». Можно сказать, что зачатки этого направления появились в готике, когда людей иногда изображали комично, подчёркивая их недостатки. Но именно сейчас данный стиль набирает популярность!
В картинах начинают высмеивать современные нравы и разные человеческие пороки.
Неоклассицизм
В 18 веке идёт стремительное развитие науки. Приходит понимание, что необходимо нести знания в массы. Поэтому этот период называют просвещением. Учёные раскапывают Помпею, и также есть другие находки сохранившегося искусства Рима, эпохи его расцвета - что оказывает влияние на искусство, оно оборачивается на античность и его идеалы.
Главный представитель неоклассицизма Жак-Луи Давид:
Искусство XIX в
Рациональность, схематизм и нормативность классицизма сменились новыми настроениями.
В борьбе разума над чувствами искусство пришло к победе последнего. Способность чувствовать — это особое свойство души, то, что делает человека человеком.
История на рубеже XVIII—XIX веков была похожа на произведение с захватывающим сюжетом, в центре которого стоял исключительный, особенный герой, который противопоставил себя всему миру. Именно такой герой станет главным в искусстве романтизма.
Романтизм нельзя назвать полноценным стилем, так как он коснулся лишь литературы и живописи, однако в этих видах искусства он стал одним из важнейших направлений XIX столетия.
Способность человека чувствовать — важнейшая тема в романтизме. Чувства могли быть не только возвышенными и положительными; романтизм обращается и к страданиям, боли, страху.
Одной из самых выдающихся картин этого направления считается картина русского художника Брюллова «Последний день Помпеи»:
Картина «Последний день Помпеи» была признана совершенным шедевром XIX века. Вальтер Скотт просидел целый час за её просмотром, после чего признал: «Это не картина, это целая поэма». На полотне Брюллов изобразил и самого себя - слева от центра, с ящиком с красками и кистями.
Помимо выдающихся мучеников в этот период часто изображают сцены из жизни обычных людей:
В фотографии мы часто слышим, что не желательно, чтобы в окружающей среде что-то было бы светлее, чем главный объект, иначе это будет отвлекать на себя внимание! И это правильно. В данной картине девушка - это лишь «антураж» уютной комнаты и спокойного, размеренного и даже, можно сказать, скучного быта. А главный герой - это открытое окно, за которым кипит жизнь! Как бы вы ни разглядывали интерьер комнаты, ваш взгляд всегда будет возвращаться к окну и пытаться увидеть, что там, вдалеке.
Вид из окна, красивые виды природы, уходящие вдаль, и тд, становятся важной частью в таких сюжетах. Также часто подчёркивается, что и человек на картине является творческой личностью:
Именно с этого периода окна становятся непросто элементом помещения, а важной его частью и одним из главных героев. И по сей день это очень популярно и в живописи и в фотографии.
Ещё одной важной темой романтизма становится тема детства, которая также с этого момента навсегда остаётся и в живописи, и потом в фотографии:
Основным открытием и главной идеей романтизма стала возможность человека чувствовать. Если классицизм делал основной упор на разум, теперь именно чувства делают человека человеком и формируют его личность. Пейзаж в романтизме перестаёт быть фоном для сюжета: теперь он отражает движения души героев. Ребёнок для романтиков становится образцом не только невинности, но и искренности чувств.
РЕАЛИЗМ
Течение в искусстве, для которого, в противовес романтизму, объектом воспроизведения стала обыденная реальность во всех её проявлениях, называется - реализмом. Своеобразный протест и уход от тех живописных норм, которые были утверждены на официальном уровне.
С конца XVIII века во Франции выставки работ художников проходили в одном из залов Лувра, названном Salon carre, или просто Салон. Посетители могли покупать понравившиеся им картины. Таким образом, живопись начала ориентироваться на некоего абстрактного потребителя с определённым вкусом и достатком. Это привело к однообразию в сюжетах и образах, создаваемых для салонных выставок.
Одна из типичных героинь салонных картин — Венера или другая обнажённая мифологическая красавица.
Как в древнем Риме искусство массово встаёт на поток - можно сказать, переходит в ремесло. Яркий пример Поль Бодри «Жемчужина и волна»:
Реализм пошёл по другому пути. Отказавшись от застывших фарфоровых образов обнажённых красавиц, художники стали описывать ту среду и ту жизнь, которая редко могла привлечь внимание поклонников салонного академизма.
Реализм не от художественной техники - стремившейся сделать картину максимально реалистичной «похожей на фото», а от «реальной жизни», неприглядной реальности.
С точки зрения академической нормы, создавать такую картину не имело никакого смысла. Огромное полотно, где полностью отсутствует не только действие, но нет и значительного события. Однако именно эта обыденность и является настоящим образом действительности, жизни, как она есть.
Главными темами реалистов стала обычная жизнь простых людей.
Надо понимать, что несмотря на то, что в эти годы набирает обороты «Реализм», это не значит, что художники творили только в этом стиле. Например, в это время создаётся одна из известнейших картин мира, являющаяся ярчайшей представительницей стилей классицизм и академизм, работа русского художника Александра Иванова «Явление Христа народу»:
По сей день она рассматривается как эталон по работе с цветом (это становится понятно, когда вы смотрите её в музее) и управлению взглядом зрителя.
Так же в это время работает один из самых известных художников мира и по сей день один из самых дорогих - Иван Айвазовский:
Импрессионизм
Предпосылки импрессионизма
В 1863 и 1865 годах в Париже были впервые выставлены две крайне скандальные картины: «Завтрак на траве» и «Олимпия» Эдуарда Мане.
В картине «Завтрак на траве» две обнажённые дамы проводят время в компании мужчин, одетых по моде 60-х гг. XIX века. В таком контексте героини превратились из нимф в обычных женщин, к тому же раздетых в присутствии людей противоположного пола — и это вызвало у зрителей возмущение. Вид обнажённых нимф и богинь никого не смущал, но теперь зрители увидели в героинях картины своих современниц и сочли такое изображение неподобающим. Кроме того, при взгляде на картину вообще не было понятно, что на ней происходит и какой смысл в ней заключён. Отсутствие смысла особенно важно.
Не менее возмутительной оказалась «Олимпия», где по-новому зазвучал один из самых традиционных живописных образов — античной Венеры:
Начиная с эпохи Возрождения Венера была символом женственности и красоты; созданный Мане образ принципиально отличается от всех предыдущих в искусстве. Для наблюдателя героиня выглядит не античной богиней, а обыкновенной женщиной, живущей здесь и сейчас. В изображённой фигуре не содержалось никакой морали или иносказания, и для публики это было более чем шокирующим обстоятельством.
Теперь главным объектом изображения становится именно окружающая действительность. Без какого-либо подтекста и морализаторства. Художники начали писать всё, что видели вокруг себя, не разделяя на главное и второстепенное.
Возникает желание остановить ускользающий миг, и художники начинают работать так, чтобы передать течение времени даже на неподвижной картине — через изменчивость формы, цвета и всего, что видит глаз. Это стало целью работы импрессионистов. Так и формируется этот стиль:
Название «импрессионизм» изначально было насмешкой. Оно появилось благодаря критику Луи Леруа — тот, увидев название картины Клода Моне «Впечатление. Восход солнца», назвал Моне и остальных художников «впечатлистами» или «впечатленцами» («impression» по-французски и есть «впечатление»).
Действительно, художники пытались передать не сам вид предмета, а то мимолётное впечатление, которое он оставляет. Импрессионисты стремились изобразить самое непостоянное в природе — свет и движение воздуха. Чтобы добиться этого, они ушли от детальной проработки форм, контуров и фактур объектов.
«Фруктовый сад в Понтуазе» Камиля Писсаро отлично демонстрирует один из приёмов, создающих иллюзию движения, трепетность воздуха.
Тени перестали быть тёмными — чёрными, коричневыми или серыми. Импрессионисты почти полностью изгнали эти цвета из своей палитры, утверждая, что в природе таких цветов не существует.
Это хорошо видно в картине Клода Моне «Сорока», где голубые тени от изгороди падают на снег. (На цвет тени влияет сразу несколько факторов: цвет предмета, который её отбрасывает; предмета, на который она падает; а также состояние атмосферы — туман, рассвет, закат и т. д.)
Импрессионизм — созерцательная живопись; отчасти это и обеспечило течению популярность. Зритель — это сторонний наблюдатель, который, изучая мерцание света и игру движущихся красок, с удовольствием смотрит вокруг.
Импрессионизм можно назвать явлением, подводящим итог классическому искусству.
Главный представитель русского импрессионизма, Константин Коровин во время Первой мировой войны работал консультантом по маскировке в штабе русской армии. В это же время, несмотря на суровую реальность, Коровину удается живописать картины о «прекрасной эпохе». Недаром Коровина называют живописцем радости и счастья:
В этой теме, часто возникает вопрос: «Как отличить Моне от Мане»? Есть легкое правило: «Мане – детализация, Моне – пятна». Мане значительнее ближе к реализму – его картины более четкие и точные.
Постимпрессионизм
Данное явление, возникшее в конце 19-ого века, не имело общих правил, его название можно считать весьма условным. Под термином постимпрессионизм подразумевается творчество нескольких художников, чьи работы начали копировать другие.
Поль Сезанн. Попытка всё упрощать.
Художники предыдущего поколения стремились передать движение и постоянную изменчивость мира, а Сезанн поставил перед собой другую цель. Он хотел найти в природе постоянные величины, которые могут отобразить устойчивость и монументальность того, что есть перед глазами.
Сезанн считал, что предметы должны напоминать простые геометрические фигуры.
Даже в портретах он сочетает формы и цвета. Нет детальности. Это лишь маска, где схвачено несколько характерных черт изображаемого. Так получается образ человека, хотя по отдельности цветовые пятна всё равно напоминают геометрические фигуры.
Винсент Ван Гог - цвет как способ выражения чувств.
В это время был интерес к Японии, границы которой открылись для европейцев в 1854 году. Магазины наводнили японские товары. Японское искусство привлекало Ван Гога тонкими и чёткими линиями, чистым ярким цветом, умением изящно и легко показывать самые обычные явления жизни. Цвет был невероятно важен для Ван Гога.
Поль Гоген и поиски нового цвета.
Желание найти новый цвет было у многих художников, стремившихся отказаться от сдержанности академического искусства. Желая найти новый яркий цвет, Поль Гоген отправился во французские колонии на острове Таити. Хоть люди там и были измучены французским гнётом, находясь на положении рабов, но краски природы были действительно яркими.
Постимпрессионизм — это весьма условное название. Оно не обозначает течения с какой-либо общей парадигмой — так называют творчество нескольких художников, которые работали уже после импрессионистов, в последней четверти XIX века
19 век даёт миру целую плеяду выдающихся русских художников, которые закрепляют достижение наших поэтов и писателей, обеспечивая лидирующее место русского искусства в мире. Архип Куинджи, Василий Суриков, Михаил Врубель, Валентин Серов, Константин Маковский, Виктор Васнецов, Илья Репин и множество других.
Модерн
Стиль сформировался к концу 19 века. Это период стабильности и благополучия, технологии активно развивались, а уровень жизни и благосостояния людей возрастал.
Это привело к активному строительству городских особняков, внешний вид и внутреннее оформление которых должны были составлять единое целое. В поисках дохода художник постепенно начал становиться дизайнерами и декоратором. Многочисленные картины, рисунки и плакаты, воспринимались как красивая деталь, дополняющая интерьер.
Модерн не интересует твёрдое, крепкое и застывшее — его внимание обращено на хрупкое, изящное и тонкое, служащее метафорой непрочности всего вокруг.
Орнаментальность и декоративность, частое отсутствие сюжета, красивые цветовые сочетания — всё это повлияло на то, что живопись и графика модерна до сих пор используются в оформлении разных элементов быта: посуды, одежды, ткани.
Было и такое:
Герои одеты в золотистые наряды, которые на глазах у зрителя превращаются в орнамент и сливаются с фоном картины. Далее подобное начинают использовать в рекламе:
Художники теперь больше заняты дизайном, оформлением домов, созданием реклам, афиш и т.д.
Символизм
С эстетикой модерна тесно сплетен возникший в 70-е гг. XIX века символизм. Во многом его идеи и художественная программа стали противовесом импрессионизму. Главными темами символистов были любовь, смерть, красота, женственность — вопросы, важные в целом для конца XIX века
Один из ярких примеров работа Хуго Симберг (русский художник-живописец и график), картина «Раненый ангел»:
Искусство ХХ в.
Авангард
Активный поиск новых форм, приёмов и тем с начала ХХ века называют - авангардом или авангардизмом. Нельзя сказать, что было какое-то единство этого стиля, всех просто объединяло желание делать не так, как раньше.
Фовизм - самое раннее течение авангардизма. Основой служит цвет. Желание выражать эмоции художника и влиять на чувства зрителя.
«Фовизм» происходит от французского fauve — «дикий».
Главным представителем фовистов был Анри Матисс.
«Художник не даёт зрителю возможности любоваться героями или думать о смысле происходящего — смысл только в красоте звучного синего»
Живопись не обязана быть похожей на мир вокруг, а внутренний мир человека слишком сложен, чтобы передавать его при помощи однозначных форм. Поэтому, например, использование зелёного для цвета кожи на лице, как в «Автопортрете», не должно нас удивлять.
Одной из самых известных картин этого стиля является картина русского художника: Петрова-Водкина «Купание красного коня»
Примитивизм
Примитивизм сделал своей целью «очищение» искусства XX века от всех прошлых достижений искусства. Стремится к детскому, наивному изображению мира.
Экспрессионизм
Вместе с фовизмом и примитивизмом появляется экспрессионизм — от слова «выражение». Вдохновителем стиля считается Винсент Ван Гог. Экспрессионисты также выражали внутреннее состояние при помощи линий и цвета.
Самым известным произведением, повлиявшим на появление экспрессионизма, считается «Крик» Эдварда Мунка:
Непонятен пол и возраст героя, неизвестно, что вообще происходит . Но совершенно понятна эмоция — ужас, страх, боль.
Важное отличием этого течения — пессимизм и негативный взгляд на мир. Тема обычно связана с социальными и другими проблемами. Экспрессионизм часто обращался к теме войны, болезни, бедности и смерти.
Кубизм
Крупнейшее течение авангарда и в живописи, и скульптуре и архитектуре. Его возникновение связывают с общей тенденцией к упрощению искусства, возвращению к базовым формам.
Главный представитель кубизма Пабло Пикассо:
Абстракционизм
Становится всё сложнее и сложнее описать картины словами. Работы начала XX века перестают говорить со зрителем понятным языком.
Абстракционизм окончательно избавляется от сюжета и конкретных образов. Всё выражается через линии, геометрические формы и цветовые сочетания.
или вот
Главным произведением абстракционизма, а также одной из самых известных и дорогих картин мира считается работа русского художника Казимира Малевича «Чёрный квадрат» . Квадрат нужно рассматривать не как произведение живописи, а как способ рассказать о тупике и окончательном конце привычной живописи.
Футуризм
Футуризм делает своим центром «энергию будущего» и новые ценности века — скорость, динамику и подобное.
или
В большинстве случаев лидирующие позиции в этих стилях занимали русские художники: Казимир Малевич, Василий Кандинский, Аристарх Лентулов, Николай Рерих, Наталья Гончарова, Михаил Ларионов, Наталья Гончарова, Эль Лисицкий, Павел Филонов и многие другие.
Дадаизм
Течение возникло в годы Первой мировой войны. Главная тема - абсурд и бессмысленность окружающего мира. Название «дада» не имеет смысла.
Представители направления решили, что это именно искусство прошлого, основанное на разуме и логике, привело человечество к войне. Поэтому их главные черты теперь: нелогичность, иррациональность, абсурд, случайность.
Ещё один пример «творчества» дадизма:
Сюрреализм
«Объектом внимания сюрреалистов будет сумасшествие, наркотическое опьянение и то, что порождает человеческое подсознание в этом состоянии.»
Работы Рене Магритта
Наиболее яркий представитель это Сальвадор Дали
Постмодернизм
Стиль формируется после завершения двух мировых войн.
«Искусством» теперь может стать даже куча мусора.
Яркий примером такого «искусства» - консервные банки Пьеро Мандзони с находящимися в них продуктами жизнедеятельности художника.
Максимально точно о «современном искусстве» показана в фильм «О чём говорят мужчины»:
П.Н.1
В книгах по искусству много привязок к политике, к техническому прогрессу и тд. Но как-то полностью опускается момент, что представители последних направлений имели серьёзные наркотические и алкогольные зависимости.
Период деградации искусства подозрительным образом совпадает с периодом, когда опиум, морфин, кокаин и эфедрин получают невероятно большую популярность в европейском обществе. И становятся «естественной» частью жизни «творческой интеллигенции». Популярность наркотиков в Европе становиться настолько большой, что уже в 19 веке появляются специализированные клиники для наркозависимых. Это всё ярко отражается на деятельности художников 20-ого века и дальше - так называемое "современное искусство".
П.Н.2
Невозможно не заметить связи искусства и экономики. Когда греки смогли на длительный период создать у себя высочайший уровень жизни, то тут же начался активный подъём всевозможных искусств. Потом это на несколько столетий подхватил древний Рим, в котором люди достигли ещё большего уровня жизни и настолько больших результатов в искусстве, что следующие 2000 лет человечество постоянно пользовалось их наработками и считало эталонным.
Но стоило Риму распасться, и вся Европа, погрязшая в бесконечных войнах местных племён, откатилась в искусстве на несколько тысяч лет назад, и находилась в стагнации более 1000 лет!
Дискобол, сделанный греками задолго до нашей эры. И пример рисунков сдельных через 1500 лет в Европе.
Но, колониальная политика и грабёж европейцами всего мира приводит к невероятному взлёту экономики. По скромным подсчётам, одного европейца в среднем содержало более 8 людей из порабощённых ими стран (в экономическом плане). На фоне неограниченных богатств опять начинается подъём искусства. Его уровень и мастерство авторов растёт огромными темпами. Самые талантливые люди из разрушенных стран переезжают в Европу и активно развивают всевозможные направления искусств.
Но в конце 19 века привычный уклад рушится, Европа начинает две мировые войны, катастрофически падает уровень жизнь, а вместе с ним и искусства.
Став финансовым бенефициаром двух мировых войн, США на небольшой период сразу же показывает подъём искусств. От кинематографа до дизайна автомобилей, бытовых приборов, архитектуры, фотографии и тд. Но в исторических масштабах это был короткий отрезок, не успев оказать серьёзного влияния.
Также это можно видеть и по нашей истории. Подъём всех видов искусств происходил только при росте экономики. Пушкин жил в то время, когда было нормой, что европейцы приезжали к нам на заработки, как обслуживающий персонал.
После Второй мировой войны начинается огромный рост экономики, это отражается и на искусстве, и его технологичности: первые в мире стереокинотеатры и стереофильмы, первая в мире фантастика (кино), да и вообще прорывы в советском кинематографе того времени по сей день изучают по всему миру, архитектура, скульптура и многое другое. Но с падением политического режима и экономики также резко падает и деградирует искусство. И только в самые последние годы можно заметить рост и в кино, и книгах, и фото и т.д.
П.Н.3
Я часто слышу:
"А в чём прикол Венеры Милосской, ща на дачных участках статуи покруче бывают".
Совершенно верно. Да, сейчас несложно повторить шедевры Древней Греции или эпохи Возрождения, и да, можно сделать "круче", но при этом это не будет шедевром.
Мы сейчас восхищаемся Дискоболом, потому что 2500 лет назад человек смог сделать что-то настолько сложное для того времени, новое, вырваться за привычные рамки и показать другим, что можно делать так. И это оказало влияние на других мастеров, и они стали делать сложнее и круче, чем раньше.
На момент создания Венеры Милосской это была первая женская статуя с такими реалистичными изгибами, пропорциями и т.д. Она на сотни лет стала символом и примером красивого женского тела. Она оказала влияние на многие поколения мастеров и поменяла взгляды на образ женщины в искусстве. Поэтому мы считаем это шедевром. Если повторить в точности её сейчас, то это не будет новым, не окажет влияние, не перевернёт сознание, а значит, не будет иметь такой ценности.
Искусство имеет ценность, когда человек создаёт что-то новое, что опережает время, удивляет и восхищает современников и, очень важно, оказывает влияние на других творцов.
Нажимая кнопку фотоаппарата, помните, что вы - потомки элиты мирового искусства. Наши художники - одни из самых дорогих в мире, а их работы одни из самых известных. Малевич, Айвазовский, Иванов, Суриков, Врубель, Репин, Угрюмов - мастера, определяющие направление мировой живописи уже несколько сотен лет! Наши писатели оказали настолько глобальное влияние на планету, что по сей день, когда в американском кино хотят показать главного героя очень умным, обязательно сделают акцент, что он читает Достоевского или Толстого, самые крутые герои их фильмов читают русских писателей, смотрят русский балет, и знают наши картины.
Надеюсь было интересно и ползено! Если вы отправите эту статью своим друзьям, вы очень мне поможете! Спасибо всем, кто оформил спонсорскую подписку, благодаря этому я могу выделять время для таких материалов! vk.com/donut/fotoklubpro