Лучшие альбомы 2020 года

Важный дисклеймер для понимания ситуации.

Года два тому назад во время очередного творческого порыва я задался вопросами "Какие музыкальные релизы я бы без промедления взял с собой на необитаемый остров? Какие альбомы из прошлого мне нравятся до сих пор настолько, что даже после того, как я затёр их до дыр, всё равно хочу к ним возвращаться снова и снова?". С такими мыслями я и засел переслушивать огромные пласты музыкальных релизов, начиная с 2013-го года, и......это заняло гораздо больше времени, чем я себе представлял, но, наконец-то, могу поделиться результатом и с вами. Так что готовьте пополнять свою аудиотеку, — я поделюсь с вами самыми дорогими релизами, которые до сих пор покоряют моё сердечко.

2020-й год стал временем нехилых испытаний для музыкальной индустрии: даты выхода релизов полетели к черту, концерты и фестивали или переносились, или отменялись полностью, а коллективы, которые либо давно распались, либо давно ничего не выпускали, вновь собрались с новыми творческими силами. В конце концов, 2020-й принёс много почвы для размышлений и времени для прослушивания музыки (к тому же, в Россию, наконец, пришёл Spotify). О втором мы сейчас подробнее и поговорим.

Бонусное место. Oathbreaker — Ease Me

После того, как на «Rheia» Oathbreaker весьма успешно попробовали себя в этериале и пост-роке, коллектив в 2019-м решил раскрыть сочетание этих жанров в полной мере. Собственно, так и родилась на свет "Ease Me", которая спустя некоторое время подверглась ремастеру и обросла четырьмя ремиксами.

Про ремиксы, написанные знаковыми людьми, ничего говорить не буду, поскольку они просто мне не пришлись по вкусу, а вот оригинальный трек мне напоминает смесь Alcest и Sylvaine, поскольку группа на нём, отказавшись от животного скрима Каро, сосредотачивает внимание на нежном, воздушном пении и благовейных гитарах без какой-либо тяжести. Да, ударные по-прежнему стремительны и агрессивны, но их давление практически не ощущается.

Это прекрасная в своей мягкости музыка, и очень грустно принимать тот факт, что, возможно, это последнее, что мы услышим от бельгийского квартета под знаменем Oathbreaker. Тем не менее, участники продолжают радовать материалом в составе других проектов, и даже Каро в 21-м поучаствовала в пластинке Amenra, благодаря чему жить становится чуточку лучше.

1 место. Рожь — Остов

Выпустив «Один сажень», Владимир Фрит не стал откладывать в долгий ящик новый релиз, и уже в 2020-м вышел следующий мини-альбом «Остов».

Кто-то из слушателей назвал данный релиз музыкой опустевших полей и тяжёлых людских судеб, и, на мой взгляд, точнее слов и не подберешь. «Остов» состоит всего из трёх композиций, но каждая из них — это чистейший монолит. Атмосферный, нетипичный звук, глубокие многогранные текстуры и необычайная густая мощь, льющаяся из динамиков или наушников непрерывным смолистым потоком, разбавленным чувственным мелодизмом и эмоциональностью.

Это огромный прогресс в сравнении с демо-записью. Природная красота возводит местные аранжировки на новый уровень — они становятся пышнее и атмосфернее. Да, музыканту наилучшим образом удалось преподнести фольклорную составляющую без ущерба тяжести материала. Эпическая атмосфера, ураганные бласт-биты и неторопливый эмбиент — всё на своих местах.

Меня очень подкупает этот аккуратный баланс между агрессией и мягкостью в инструментальной части. Все мелодии и риффы прекрасно проработаны и выверены, дав разгуляться как электронным подкладам и фолковым мотивам, так и брутальной блэк-метал-составляющей, которая лишь сильнее бьёт в грудь. Заслуженное место среди лучших.

10 место. Помни Имя Свое — Я нем

Я уже не раз писал, что каждый новый релиз орловского коллектива Помни Имя Свое встречается мной с особым трепетом. Пятая пластинка под названием «Я нем» не стала исключением, и вот уже четвёртый декабрь подряд я включаю её, чтобы попрощаться с последним листопадом уходящего года и насладиться холодным и отстранённым, как безлюдные пейзажи Новой Земли, саундтреком наступающей зимы.

Почти часовой хронометраж альбома по-прежнему может предложить гармоничный сплав из чувственной, трогательной поэтики и традиционного для группы атмосферного фортепианно-аккордеонного звучания, но в этом случае композиции одновременно и пробивают на мурашки своей морозностью, и согревают своим ледяным огнём.

Каждая из них, как снежинка, тающая на тёплой ладони, хрупка и мимолётна, отчего ты совершенно не догадываешься, когда её жизнь подойдёт к концу, в следствие чего, стараешься насладиться каждой секундой этого удивительного звучания, покрытого прозрачным, сверкающим, никогда не тающим льдом — как обещание спокойствия, умиротворения, как надежда на обновление.

И нет сомнений, что коллективу удалось создать музыку севера, одинокое путешествие по полузаброшенным городам, тундрам и хвойным лесам. Музыку любви, памяти о чём-то тёплом, материнском. Музыку пепельной красоты печали. Очень неторопливый, но триумфальный гимн страдающей, трепещущей как огонь на свечи, душе, не оставляющий ничего другого, кроме как закрыть глаза и слиться со звуком целиком и полностью.

9 место. Shedfromthebody — A Dead and Aimless Hum

Как сейчас помню, май 2020-го принес один из самых нежных релизов последних лет — дебютный альбом финского one-woman проекта shedfromthebody, за которым стоит прекрасная Суви Савикко.

«A Dead and Aimless Hum» — этакая финская версия "Ёжика в тумане", где в качестве ёжика выступает фиалка, распустившаяся в мягкой дымке. Основа из размашистых и мистических мелодий думгейза, ручки реверба и эхо на максимум, щепотка пост-рока и эмбиенто-подобной электроники для густого настроения, — и вот уже инструментальная часть парит в воздухе, будто пушистые облака, окружающие хрупкий цветок, придавая ему загадочности.

Ангельский голос Суви легко расстилается поверх такого воздушного звука размытых гитар и неспешных барабанов, создавая гипнотизирующую и бесподобную атмосферу туманных ландшафтов, а холодные краски пост-жанров отлично переплетаются с романтикой повествования, поражая своими обволакивающими мелодиями.

Одним словом, поразительный дебют, который своим неторопливым повествованием даёт прочувствовать пограничное состояние перехода от осени к зиме. Не стесняйтесь проявить сентиментальность, поскольку такая музыка того не просто просит, а настоятельно требует.

8 место. Deftones — Ohms

Вот знаете, находишь ты такой сериал, который с первого же эпизода становится для тебя любимым и, при этом, спустя пару десятков серий даже не думает заканчиваться. И вот, с каждым новым сезоном меняется жанровая составляющая, происходят новые изящные повороты сюжета, которых никто не предвидел, а сериал всё равно смотрится круто, да и желание вникать в сюжет не пропадает. Deftones как раз из разряда таких сериалов, только из мира музыки.

Любой релиз, анонсированный командой из Сакраменто, непременно становится событием, которого ждёшь и понимаешь, что группа не подведёт. Так вышло и с девятым по счету альбомом «Ohms», выход которого ознаменовал возвращение коллектива к саунд-продюсеру Терри Дейту, работавшим с Deftones в последний раз аж в далёком 2003-м. Вместе с ним квинтету удалось создать такую запись, которая оказалась заметно темнее и тяжелее своих предшественников, что «Ohms» пошло только на пользу.

Кроме того, «Ohms» получился этакой квинтэссенцией коллектива, где собраны самые лучшие отголоски группы из тех же «Gore», «Koi No Yokan» и «Diamond Eyes», и, при этом «Ohms» ни в коем случае не вторит им. Отчего пластинка оказалась сбалансированной и отточенной по всем фронтам, как и подобает группе с богатой историей и внушительной по количеству выпущенных альбомов дискографией.

Однако, несмотря на хаос и, в целом, постапокалиптичную атмосферу, на протяжении всего хронометража коллективу удается насытить каждую секунду такими незабываемым деталями, как щелчки пальцами или бьющиеся о камни волны, что вместе с гитарным перегрузом, гулом синтезаторов и тягучей ритм-секцией искажает реальность.

По итогу, Deftones снова удачно переродились, и именно «Ohms» я назову идеальной стартовой точкой для вхождения в дискографию этого замечательного коллектива, поскольку он отражает практически все стороны звучания живых легенд из Сакраменто, но подаёт их в современном прочтении и с наивысшим качеством.

7 место. END — Splinters From An Ever-Changing Face

Через два года после выхода ураганного мини-альбома, безумная супергруппа END, состоящая из участников Counterparts, The Dillinger Escape Plan, FIt For an Autopsy, вернулась, дабы пробудить в каждом из нас мазохиста, который будет раз за разом возвращаться к их безжалостной пластинке.

Взяв за основу грязную, мрачную и хаотичную форму хардкора, с которой ты знаком, если хоть раз слушал Nails и Full Of Hell, коллектив раз за разом стирает тебя с лица земли своей неумолимой музыкальной природой. Инструментальная часть стала еще более злобной, насколько это вообще возможно. Все эти неустанные бласт-биты и диссонансы создают ощущение нехватки воздуха, как если бы ты находился в глубокой, черной как смоль, пещере с извилистыми туннелями. А еще большей атмосферы добавляют различные семплы из фильмов ужасов, что только омрачняет и без того непроглядную пелену происходящего.

Как правило, такую музыку нужно слушать ночью, в одиночестве. Чтобы возбуждённое сознание создавало страшные образы в голове. Чтобы взгляд невольно замечал движения теней, а воспалённый мозг неустанно чувствовал угрозу со стороны надвигающегося на тебя мрака. И в этом плане, «Splinters from an Ever-Changing Face» интенсивен, отвратителен и инфернален. Один из тяжелейших, если не самый тяжелый релиз того года, от которого зубы застрянут в горле. Ни мелодии, ни гармонии, ни красоты. Просто чистое, безжалостное безумие.

6 место. Cross Bringer — The Signs of Spiritual Delusion

Можете ли вы назвать больше десяти отечественных тяжёлых команд, подписанных на зарубежные лейблы? Ответ не имеет значения, главное, что в это количество входит коллектив Cross Bringer, основанный участниками EUGLENA и The Homeless is Dead в 2019 году и вскоре подписавшийся на бельгийский лейбл Consouling Sounds.

«The Signs of Spiritual Delusion» представляет из себя первое детище команды, в основе которого лежит рваный и дикий хардкор с сильным влиянием блэк-метала, раскачивающим слушателя подобно тому, как упругие чёрные волны подбрасывают маленькую шлюпку. На этом фоне, созданном мощными гитарными партиями вкупе с ударными, будто обрисовывающими неисчерпаемую силу стихии, происходит, однако, что-то очень глубокое, пронзительное и личное, что подчёркивается проникновенным и отчаянным вокалом фронтвумен Лины.

К слову, выход такого релиза на Consouling Sounds очень символичен. Во-первых, на данном лейбле выходили релизы творческой коммуны Church Of Ra, куда входят такие команды как Amenra, Oathbreaker и Wiegedood. Именно продолжателями такого же атмосферного звучания являются Cross Bringer. Во-вторых, Лина в своё время читала молитву на дебютном альбоме Wiegedood, а в 2023-м и вовсе вместе с участниками Church Of Ra образовала группу Predatory Void.

«The Signs of Spiritual Delusion» — история отчаяния и перерождения. Это альбом о противоречивых эмоциях: от заблуждений, агонии и ненависти к себе до одержимости. О вспышках, голосах и молитвах, которые дали пространство для размышлений, обретения самоконтроля и столь необходимого воскрешения себя. История о том, как сжечь всего себя изнутри — и из этого пепла выстроить душу заново, вступая в новый цикл мученичества, который еще предстоит разорвать. Одним словом, еще одна яркая вспышка мрака и боли на отечественной тёмной сцене.

5 место. Svalbard — When I Die, Will I Get Better?

Несмотря на камбэк Devil Sold His Soul под конец того года, для меня пальму первенства в атмосферном пост-хардкоре одержал коллектив Svalbard, вновь представивший пластинку с невероятным эффектом погружения в безлюдные скандинавские ландшафты.

После того, как главу культового лейбла Holy Roar Records обвинили в сексуальном насилии, в течение нескольких дней с лейбла ушёл весь менеджерский состав и артисты, создав Church Road Records. Собственно, на нём и вышла третья пластинка бристольского квартета.

Svalbard и раньше умели в атмосферу, но «When I Die, Will I Get Better?» вышел по-особенному волшебным и мрачным. Оседающий слезами вельв в чёрно‐жёлтой траве, тающий в прорезях фьордов микс пост-хардкора, неокраста, блэкгейза и пост-рока звучит то как сыплющиеся камни с горы, то как падающий снег с небес в тихий зимний вечер.

Неудивительно, что такая просторная и бурная, как Северное море, смесь мелодий, с первых секунд создаёт незримую связь между музыкой и слушателем, а главными звеньями, её скрепляющими, как и раньше являются вокалы Серены и Лиама, которые просто-напросто не жалеют своих связок.

«When I Die, Will I Get Better?» — это тот самый альбом, в который ты погружаешься и приходишь в себя, когда заканчивается последняя композиция. Ты можешь испытывать, что угодно, пока слушаешь, но не можешь выключить. Он атмосферный, честный, серьезный и действительно потрясающий во всех смыслах.

4 место. Lorna Shore — Immortal

Многострадальная пластинка от американцев Lorna Shore, после которой коллектив стал одним из самых востребованных в дэткоре. Да, до выхода этого альбома произошло слишком много событий, чтобы они остались незамеченными.

Весной 2018-го Chelsea Grin выгнали своего фронтмена Алекса Кёлера, что привело к смене вокалистов сразу в трёх группах: Том Барбер из Lorna Shore встал на место Алекса и перезаписал вокалы на уже готовую пластинку, СиДжей МакКрири из Signs of the Swarm занял место Тома, а на место СиДжея пришёл Дэйв Симонич. И, вроде бы, ничего не предвещало беды, однако незадолго до выхода долгожданного «Immortal», против МакКрири были выдвинуты обвинения в насилии со стороны нескольких женщин (после, к слову, станет понятно, что обвинения так и останутся бездоказательными), и с СиДжеем по-быстрому попрощались.

Тем не менее, «Immortal» вышел в первозданном виде, отчего стал первым и последним с участием МакКрири в качестве фронтмена. Жаль, ведь половину обаяния пластинки заключается именно в его харизматичном голосе и подаче, которые вселяют неподдельный ужас и существенно поднимают градус агрессии местному материалу.

Что же до инструментальной составляющей, то это кардинально новый взгляд на материал группы. Музыканты немного отошли от стиля первых двух полноформатников, в разы увеличив симфоническую составляющую, а также крен в сторону различных поджанров метала. Животная ярость риффов, эпичность атмосферы за счёт тонны симфонических мелодий, обилие вкусных брейкдаунов и впечатляющих соляков и аккомпанемент из харизматичного вокала, порой превращающего блэковые запилы с симфоникой в слэмминг-рубилово, — всё это вместе звучит насыщенно, брутально и, самое главное, запоминающе, тем самым выходя на совершенно новый уровень в дэткоре.

Уже сейчас, спустя четыре года, «Immortal» воспринимается как классика жанра, породившая толпы последователей. Lorna Shore удалось создать по-настоящему разрушительный вихрь из яростно вращающихся северных ветров и головокружительного хаоса, который не только проявил амбиции всех участников, но и показал, что это было только начало.

3 место. Code Orange — Underneath

После успешного «Forever», Code Orange ненадолго сменили вектор в сторону небольших релизов, аккуратно прощупывая ими почву с электронной составляющей. Как оказалось, всё было не зря, — даже Кори Тейлор тогда залетел на фит, — а сама четвертая номерная пластинка ознаменовала новую эру звучания коллектива и вместе с этим завершила трилогию, которую группа создавала с 2014-го года: возрождение («I Am King»), месть («Forever»), рефлексия («Underneath»).

Тематически пластинка посвящена столкновению с двуличным собой в этом перенаселенном, всепоглощающем цифровом мире. Кроличья нора успеха, обиды, зависти, горечи, собственного достоинства и сожаления, кажется, становится только более глубокой в обществе, которое чувствует себя более запутанным и разобщенным, чем когда-либо.

В связи с концептом, группа ещё больше погрязла в электронном звучании. Многим это понравилось, кто-то остался недовольным. Я лишь скажу, что «Underneath» имеет некоторый порог вхождения, и если слушатель его без проблем преодолеет, то все эти многочисленные шумы, напряжения будут только в радость — сам через это проходил и получил от альбома, в итоге, катарсическое удовольствие.

В любом случае, «Underneath» ознаменовал новый этап в творчестве Code Orange. Барабанщик и главный вокалист Джимми Морган наконец-то вышел из тени, полноценно став за микрофонную стойку. Рэба Майерс все больше стала не только устраивать мясо, но и петь чистым голосом. Группа также нашла полноценного барабанщика, а один гитарист полностью сосредоточился на электронике.

Группа прямо говорит: мы не хотим быть как все и продолжим гнуть свою линию, и я им за это благодарен. Это действительно уникальный опыт, который не боится быть вызывающим, отвратительно злобным и местами болезненным для ушей неподготовленного дилетанта. Настоятельно советую слушать вместе с DLC «What Is Really Underneath?», выпущенным чуть позже, на котором группа продолжила расширять собственный лор.

2 место. Touché Amoré — Lament

После душераздирающего «Stage Four», посвящённому матери Джереми Болма, скончавшейся от рака, было вполне рациональным ожидать от Touché Amoré что-то разряжающее, тем не менее, «Lament» всё такой же эмоциональный и максимально откровенный, как свои предшественники.

Я очень рад, что в то время, пока мы наблюдали тенденцию пост-хардкор-групп к облегчению, поиску радийного и продаваемого звучания, Touché Amoré выдали максимально живую, дышащую пластинку, где нашлось место не только динамичному потоку пост-хардкорных риффов и истошным крикам, но и сердечным монологам, пост-роковым крещендо и даже кантри, чему я тогда сильно удивился.

Однако, аранжировки получились довольно депрессивные, даже больше, чем на «Stage Four». Почему же тогда альбом разряжающий? Потому что лирика отстранена от тёмной тематики прошлой пластинки и сосредоточена на проблеме поиска убежища в мире, полном врагов и опасностей. В своих искренних текстах Джереми говорит о повседневных чувствах, внутренних переживаниях и попытках смотреть на мир в позитивном ключе, отчего после прочтения всей лирики, а также аннотаций к ней от самого Джереми, каждая композиция на альбоме раскрывается совершенно с новой стороны, заостряя внимание на обыкновенных человеческих ценностях, хрупкости и силе любви к родному человеку и самому себе, важности семьи и её поддержке.

Touché Amoré вернулись, чтобы согреть наши охладевшие сердца и подставить плечо во времена окружающего хаоса и беспокойства. Излечение душевных ран прошло успешно, и я надеюсь, что в будущем коллектив ещё не раз вернется и порадует нас своей честной музыкой, ведь не всегда причиной для неё должны быть трагедии — иногда всем нам просто нужна надежда и поддержка.

1 место. Loathe — I Let It in and It Took Everything

За два года с момента выпуска сплита с Holding Absence британцы Loathe проделали титаническую работу, отправив нас на своей второй пластинке в возбуждающее и в тоже время расслабляющее путешествие полное больших сюрпризов и незабываемых эмоций.

Уже с самого начала полутораминутное интро "Theme" указывает на завораживающее настроение сабжевого релиза — эфирный звуковой ландшафт композиции создает заманчивое ощущение интриги. Звуки дождя и ночных животных пробуждают в голове образы чего-то большего, а хлопок закрывающейся двери в последние секунды сбивает с толку. Взглянув одним глазом на название альбома, ты невольно задаешься вопросом, что же "это" было впущено только что?

“Agressive Evolution” как раз и открывает ту самую дверь, внезапно вводя тебя в состояние замешательства. Хаотичные гитары вместе с рычанием Кадима Франса передают отчаяние, которое то и дело сменяется на проблески надежды и стремления к лучшему. Мне очень нравится припев и его надежда на неопределенное будущее (и искры света, показанные в лирик-видео, соответствующие этому). Наличие такого контраста и способность погрузить слушателя с первых секунд в незабываемую атмосферу пластинки и делает данную комбинацию треков отличной открывашкой.

Мало того, подобные эмоции ты будешь испытывать вплоть до финального трека. Будь то яростные "Broken Vision Rhythm” и "Gored" с их ощущением клаустрофобии, неторопливая "Two-Way Mirror", выпуск которой в качестве сингла ознаменовал кульминацию перед скачком дефтонскора, благодатная "New Faces in the Dark", безумно красивая "Is It Really You?", дарящая надежду в предпоследнем акте, мечтательные "Screaming" и "A Sad Cartoon", испепеляющие своей любовью, "Heavy Is The Head That Falls With The Weight Of A Thousand Thoughts" с его уносящим в далёкие края вихрем в самом начале или, наконец, одноимённая альбому композиция, благодаря которой ты сможешь увидеть бездну, — абсолютно весь альбом поражает синтезом из ласковой меланхолии и агрессивного нутра и радует своей сглаженностью и сфокусированностью.

«I Let It in and It Took Everything» — это буквально единое продуманное до мелочей полотно, в котором смешались металкор и эмбиент, шугейз и ню-метал, хаотика и прогрессив, акустика и альтернативный метал, и даже блэкгейзу нашлось место. И надо ли говорить, что такая особенная начинка вместе с абстрактными образами в лирике, эстетическим визуалом и уникальным подходом (например, впоследствии британцы выпустили получасовое эмбиентное дополнение к «I Let it in...», доказав, что не стесняются резких перформансов и смены направления) многим пришелся по вкусу, цифры Loathe начали неумолимо расти ввысь, обозначив более молодым коллективам вектор для подражания, чего британская команда заслуживала с самого начала. Десять вертикальных текстов из десяти, и никак иначе.