РОЖДЕНИЕ НОВЫХ СМЫСЛОВ В ЕДИНСТВЕ

Константин Хабенский: «Театральная дельта» — место силы, где создаётся будущее российской сцены

Завершившийся в Астрахани V Международный фестиваль-форум «Театральная дельта» оставил после себя мощный творческий импульс и важные начинания. Его эхо ещё долго будет резонировать в культурном пространстве страны. Полмесяца город на Волге жил в ритме премьер, лекций и актерских тренингов, а проект, поддержанный Президентским фондом культурных инициатив, обрел особое, глубокое звучание.

Формирование его интеллектуального направления взяла на себя Школа-студия МХАТ во главе с народным артистом РФ Константином Хабенским. Если ранее фестиваль воспринимался преимущественно как смотр лучших гастрольных проектов, то в этот раз он раскрылся как масштабный творческий процесс, где классика встречается с дерзким экспериментом, а признанные мастера протягивают руку молодым новаторам, преодолевая любые дистанции — и географические, и поколенческие.

Смысловой камертон и курс на человеческое

Само название «Театральная дельта» — уже философское кредо фестиваля, которое отражает симбиоз творчества и искусства. Событие демонстрирует всестороннее разнообразие проявления театра в жизни общества. Как русла большой реки расходятся на десятки рукавов, чтобы в итоге слиться в общем море, так и театральные традиции, школы и визионерские поиски сошлись на астраханской земле в единое пространство искусства.

География пятого форума впечатляет: на местных подмостках встретились легенды — Московский Художественный театр имени А. П. Чехова, Государственный академический театр имени Евгения Вахтангова, петербургский Театр на Васильевском, хозяева площадки Астраханский государственный ордена «Знак Почёта» драматический театр, а также близкие по духу гости из казахстанского Кокшетау — Акмолинский областной русский драматический театр.

Говоря о международном масштабе и географии форума, директор Астраханского драматического театра Лилия Гурко подчеркнула его широкое притяжение:

— Второй год подряд мы удерживаем международный формат благодаря федеральной программе «Большие гастроли». Сейчас ведем переговоры с Белоруссией, Азербайджаном, Абхазией. Конечно, пока речь идет о странах, где есть русские драматические театры и они получают поддержку. Я бы очень хотела, чтобы хотя бы из двух государств труппы приехали к нам в следующем году, и сделаю для этого всё возможное.

Это был настоящий разговор о человеке, времени и вечности на универсальном языке искусства, который объединяет разные культуры.

Чтобы удержать это многообразие в едином пространстве и сложить его в цельную драматургию фестиваля, проекту требовалась сильная смысловая опора. Значимый вклад в формирование этого направления внес Константин Хабенский. Как и. о. ректора Школы-студии МХАТ он лично включился в работу образовательного блока, задав ему высокую планку и сместив акцент с развлекательного глянца на глубокое человеческое измерение. В своем приветствии к участникам и гостям форума он точно сформулировал главную суть проекта:

— Особенно ценно, когда творческая инициатива не останавливается после первого успеха, а продолжает развиваться, объединяя людей, идеи и разные театральные взгляды. За эти годы фестиваль стал не только важным культурным событием региона, но и пространством для открытого разговора о человеке, времени и искусстве. Театр начинается с любопытства, продолжается смелостью и живёт благодаря людям, которые готовы искать, пробовать и удивлять, — отметил Константин Юрьевич.

Эти слова не остались лишь красивыми пожеланиями. Участие Хабенского придало форуму масштаб полноценной профессиональной экосистемы. Он погружался в работу творческой резиденции, разбирал эскизы с молодыми режиссерами и на собственном примере показал: подлинное служение искусству не знает географических границ. Именно такой подход вывел фестиваль за рамки привычного гастрольного марафона, превратив его в настоящее место силы для театрального сообщества, где опыт передается напрямую, из рук в руки, а традиции умножаются новыми открытиями.

Сценический калейдоскоп: от степного вестерна до чеховского надрыва

Основная афиша фестиваля в этом году выстроилась как увлекательный роман, где каждая глава — отдельная вселенная. Зрители увидели, как многогранен современный театральный язык, а география проекта объединила столичных корифеев и яркие региональные жемчужины.

Принимающая сторона, Астраханский драматический театр, блестяще представил свою визитную карточку — «Дракона» Евгения Шварца (под руководством Владимира Кузнецова). Сказка-притча о рыцаре Ланцелоте прозвучала особенно остро, напомнив, что главный бой всегда происходит не с внешним чудовищем, а с драконом внутри нас.

Московский Художественный театр им. А. П. Чехова привез «Старшего сына» по Александру Вампилову. В постановке Андрея Калинина легендарная пьеса стала тихой, но пронзительной одой дружбе и вере в то, что тепло чужого дома способно отогреть замерзшую душу человека.

— В начале пьесы Бусыгин — человек холодный, озлобленный, не желающий чувствовать, избегающий душевных трат и метаний. Волею судьбы он оказывается в семье, где всё трещит по швам, всё не гладко, не складно. И эта встреча становится спасением для всех, в первую очередь — для него. «Старший сын» — тёплая человеческая история, в основе которой библейская истина: все люди – братья. Сочинение Сарафанова («то ли кантата, то ли оратория»), которое он пишет всю жизнь, так и называется «Все люди — братья». И это основная тема нашего спектакля, ведь быть родными можно не только по крови, но и по мировоззрению, по духу, — рассказал Андрей Калинин.

Мастера сцены из Государственного академического театра им. Евгения Вахтангова предложили публике два совершенно разных мира. В «Нахлебнике» Ивана Тургенева режиссёр-постановщик Анна Горушкина исследовала тему, связанную с гоголевской традицией изображения «маленького человека»:

— В современном мире общественное мнение и статус человека становятся важнее, чем чувства, родственные связи. Ради статуса можно предать даже близкого, родного человека. В «Нахлебнике» есть эта тема, и она для меня очень важна. Людей, подобных главному герою спектакля, я называю чудаками. Чудаки — те, кто сохранил в себе душу, достоинство; просто внешне они не занимают много места в обществе. Они стараются не мешать другим жить: они способны принимать людей такими, какие они есть, способны жертвовать. Главный герой — человек достойный, он многое мог бы сделать, многое изменить в жизни. Но он не выпячивает свои душевные достоинства; для него важнее всего то, что он прожил жизнь любя, а значит, прожил её не зря.

А автор пьесы и режиссёр «Любовь у трона» Андрей Максимов перенес зрителей в сон Екатерины Великой, где на фоне серьезных разговоров о судьбах России вспыхивает настоящая страсть.

— Пьеса «Любовь у трона» — это своего рода фантасмагория: сон снится императрице накануне государственного переворота, который приведет ее к власти на долгие годы. Во сне она вспоминает свои отношения с мужем Петром III. По сути, это история о любви на фоне политики. Я давно мечтал поработать с поразительной актрисой Ольгой Тумайкиной, очень хотел, чтобы Екатерину сыграла именно она. Мечта сбылась. Она мощная актриса, интересный, глубокий человек. С исполнителем роли Петра III были проблемы, пока я не вспомнил, что в Вахтанговском театре работает поразительный актер Андрей Ильин. Я видел его в роли Хлестакова на сцене Русского театра в Риге. Это была поразительная актерская работа! Видел его на сцене МХТ и театра Моссовета. Счастлив теперь не только работать, но и общаться с ним. Любовь у трона… Любовь на фоне серьезных разговоров о судьбе России, о судьбах русских людей… Сон-фантасмагория с подлинной человеческой страстью, — поделился Андрей Максимов.

Особый статус и географический размах фестивалю придала зарубежная линия, которая в этом году прошла при поддержке программы «Большие гастроли», организованной ФГБУК «РОСКОНЦЕРТ» согласно Всероссийскому гастрольно-концертному плану Министерства культуры Российской Федерации. Акмолинский областной русский драматический театр из города Кокшетау (Казахстан) привез настоящий степной вестерн — драму Мухтара Ауэзова «Лютый» (режиссёр Тимур Кулов), заставив зал искать границу между зверем и личностью. Продолжили коллеги пронзительным зеркалом общества в драме Флориана Зеллера «Сын» (режиссёр Каро Балян) и классической интригой в «Волках и овцах» Александра Островского (режиссёр Тимур Кулов).

Торжественную точку в основной программе поставил петербургский Театр на Васильевском. В постановке Владимира Туманова «Дядя Ваня» чеховский мир предстал как замкнутое пространство человеческих одержимостей, где надрыв кажется смешным, а нелепость — бесконечно трогательной.

Кузница служителей Мельпомены

Третий год подряд важнейшей составляющей фестиваля становится проект «Театральная дельта: творческая резиденция молодых актеров, театральных художников и продюсеров», реализуемый при поддержке Президентского фонда культурных инициатив. Партнером образовательной программы выступает Школа-студия МХАТ. Если раньше резиденция воспринималась как образовательное приложение к фестивалю, то в этом году она обрела собственное драматургическое лицо и масштабную интеллектуальную начинку.

Её сердцем стал III экспериментальный проект «АстраЛабиЯ», который в этом году раскрылся в рамках режиссёрской лаборатории «Мольеромания».

Куратором программы лаборатории выступил Владимир Кузнецов — художественный руководитель Астраханского драматического театра, лауреат Российской Национальной театральной премии «Золотая маска» и эксперт премии в области «Драматический театр и театр кукол» сезона 2025–2026 годов. Режиссёр, прошедший путь от актёра Владимирского академического театра драмы до собственной педагогической и постановочной школы, задал лаборатории высокую планку: работать с такой классикой, как Мольер, — значит говорить с вечностью на языке современности.

Молодые режиссёры взялись за мольеровские «Школу мужей» и «Школу жен» (в переводе Василия Гиппиуса) не как за музейный экспонат, а как за живой материал, способный отозваться сегодняшнему зрителю. Лаборатория подняла вечные темы — любовь, нравственный выбор, отношения между мужчиной и женщиной, межпоколенческие конфликты и пути их преодоления.

Первый акт «Школы мужей» доверили Дарье Шуваловой, студентке РГИСИ. Она увидела в названии пьесы не инструкцию, как может показаться на первый взгляд, а вопрос:

— Мольер уже в самом названии задал загадку: «Школа мужей» (или «Урок мужьям» в другом переводе). Но кто кого учит? И научит ли? Я люблю хулиганство, а материал этого и требует. Да и душа тоже, — призналась Шувалова, обещая усердное исследование языка комедии.

Второй акт той же пьесы оказался в руках режиссёра Тимура Галеева. Его взгляд на Мольера стал одновременно социальным и глубоко театральным:

— Пьеса отзывается актуальностью, ведь сегодня предлагается множество курсов: как быть правильным мужем, аналогично и для жен — чего только не советуют! На более глубоком уровне — это отражение кризиса института семьи, ведь процент разводов в современном обществе слишком высок. В работе над эскизом хотелось бы найти баланс между злободневностью, сатирической интонацией Мольера и традициями русского психологического театра.

Работу над «Школой жён» разделили между собой режиссёры Андрей Романов (студент ВШСИ) и Денис Лобанов (студент ГИТИС). Для Романова астраханская лаборатория стала первым опытом работы в государственном театре — и он не скрыл волнения и трепета:

— Я уже какое-то время работаю с разными артистами, разных возрастов и разных званий, но сотворчество с неизвестной труппой государственного театра — это важнейший этап для молодого режиссёра, особенно когда предстоит работать с такой классикой, как Мольер. Для меня это вызов, с одной стороны, и страх неизвестного… А что может быть лучше, чем трудиться над тем, что ты не представлял так скоро увидеть на своём рабочем столе? Сейчас время поэтического театра, и очень важно и правильно, что театры стали всё чаще обращаться к поэтическим произведениям: комедиям, драмам, поэмам. Это структурирует и развивает чувство ритма и целостного в молодых режиссёрах. «Поэзия — это над землёй…», как говорит мой мастер Константин Аркадьевич Райкин, а значит, наша работа над эскизом по Мольеру станет чем-то полётным и драйвовым.

Денис Лобанов (студент ГИТИС) работал с третьим актом «Школы жён» — и сумел разглядеть за привычной комедией положений глубокий театральный миф:

— Это последние дни Арнольфа — история, в которой важна не столько счастливая развязка, сколько осознание того, что жизнь героя закончилась раньше, чем сама пьеса. Арнольф выступает режиссёром собственного спектакля, пытаясь управлять судьбами других и подчинить реальность своему замыслу. Однако актёры отказываются играть отведённые им роли. Постепенно всё превращается в бунт против автора, в карнавальный распад. Для меня это не просто комедия положений, а своеобразный театральный миф о человеке, возомнившем себя демиургом. Стремлюсь навязать жизни собственные законы, но обнаружив, что она не подчиняется никакому сценарию и всегда оказывается сильнее любого замысла.

За процессом лаборатории наблюдали признанные эксперты театрального процесса. Ксения Стольная — театральный критик, научный сотрудник Государственного института искусствознания (сектор изучения и публикации театрального наследия Вс. Мейерхольда), редактор журнала «Вопросы театра. Proscaenium» и «Биеннале театрального искусства. Уроки режиссуры» — и Дмитрий Родионов — кандидат искусствоведения, профессор, главный редактор журнала «Сцена», лауреат Премии Станиславского, почётный член Российской Академии Художеств, заслуженный работник культуры РФ — внимательно следили за работой молодых режиссёров, их экспертный взгляд стал важной смысловой опорой для участников, подтвердив высокий статус лаборатории как полноценной кузницы будущих театральных лидеров.

Помимо творческих эскизов, важнейшим интеллектуальным и профессиональным стержнем проекта стал Круглый стол на актуальные темы современного театрального продюсирования. В нём приняли участие и. о. ректора Школы-студии МХАТ Константин Хабенский, и. о. ректора ГИТИСа Александр Фокин, преподаватели, эксперты и представители театрального сообщества. Участники обсудили развитие современного исполнительского искусства и подготовку новых кадров для театров.

Эту интеллектуальную и актерскую прокачку продолжили показы спектаклей Учебного театра Школы-студии МХАТ (руководители — заслуженная артистка России, лауреат Государственной премии России Марина Брусникина и режиссер Сергей Щедрин). Астраханцам показали премьеру прошлого сезона — «Сочинение на тему: Вишневый сад», где чеховский текст переплелся с фантазиями молодых актеров о возвращении домой, поиске себя, прощании и прощении.

— Это спектакль об уникальности каждого момента, о хрупкости взаимосвязей, о простых и, одновременно, столь сложных вещах. Как отпустить прошлое? Что есть правильный выбор? Человек — это сад. Со своими корнями, ветвями и плодами, где каждый герой ищет свою весну. Создавая эту работу, мы пытались уловить совершенно особенный авторский юмор, воздух, филигранность реплик, удивительную лёгкость и глубину, — рассказали создатели постановки.

А спектакль-концерт «Судьба, судьбы, судьбе, судьбою, о судьбе» (режиссёр Алёна Хованская) стал живым диалогом с наследием Булата Окуджавы. Кстати, в название спектакля взяты строки из песни автора «Заезжай музыкант». Бард, ушедший на фронт восемнадцатилетним и прошедший всю Великую Отечественную войну, писал о ней с пронзительной честностью. Теперь тексты кумира нескольких поколений переосмысливает молодежь, рожденная в совсем другую эпоху.

— «Как мало слов и как широко забирает», — эти слова Солженицына об Окуджаве кажутся нам очень точными. Наш концерт — восприятие творчества Окуджавы совсем молодыми актерами. Это новое прочтение известных песен, порой неожиданное и смелое, но именно так восемнадцатилетние ребята слышат, присваивают, начинают любить и понимать эту прекрасную поэзию, — отметила художественный руководитель Марина Брусникина.

Важность таких выездов для становления молодых артистов подчеркнул Константин Хабенский, отметив, что гастроли — это полноценная профессиональная школа:

— Любой театр не может жить без гастролей. Иначе начинается какое-то непроветриваемое помещение. Театр должен выезжать, работать с разным зрителем, потому что зритель Астрахани, Санкт-Петербурга, Новосибирска — они абсолютно по-разному воспринимают темы. Для ребят, которые сейчас сидят в зрительном зале, это и стресс, и практика работы в стрессовых ситуациях. Здесь они выезжают сразу на большую аудиторию — это проверка своей энергетики и магнетизма. Слава богу, что есть возможность поездить, посмотреть, показать себя и заявить о себе. Кстати, сейчас мы организовали содружество выпускников Школы-студии МХАТ. Все, кто вышел из стен этого заведения и уже ярко заявил о себе, возвращаются на сцену Учебного театра с программой «Моя школа». Все сборы от проданных билетов идут в поддержку Школы-студии. Это важно: брать у школы и в какой-то момент отдавать то, чем тебе помогли.

Параллельно шёл насыщенный цикл мастер-классов и лекций от ведущих педагогов Школы-студии МХАТ, раскрывающих закулисье театральной магии. Заведующая кафедрой сценографии, художник театра и кино Мария Утробина провела лекцию с показом видеопрезентации, раскрыв тему практической работы сценографа на примере конкретных спектаклей: как художник придумывает свои идеи, какими методами добивается их осуществления и как замысел воплощается в реальность. Совместно с преподавателем факультета сценографии и театральной технологии Николаем Смоловым она также разобрала тему «Сочинение спектакля сценографом и художником по свету: работа в команде как ключ к созданию художественного образа».

Отдельное внимание было уделено природе современного театрального дизайна. Сценография сегодня представляет собой синтез искусств и технологий: наряду с традиционными методами (живопись, графика, скульптура, бутафория) активно используются мультимедийные инструменты — видеопроекции, светодиодные табло, интерактивные поверхности. Художник создаёт на сцене художественный мир как живописец, создающий полотно, но одновременно мыслит пространством и конструкцией как архитектор. Лекцию, позволившую поразмыслить над вопросом, кто есть современный театральный художник, прочитала старший преподаватель факультета сценографии и театральной технологии, театровед Татьяна Круковская.

Ни для кого не секрет, что театральное освещение давно стало неотъемлемой частью драматургии спектакля. Преподаватель факультета сценографии и театральной технологии Николай Смолов посвятил свою лекцию профессии художника по свету. Он рассказал, как, работая в творческой группе, специалист создаёт световую партитуру и визуальную концепцию вместе с режиссером, сценографом, хореографом и композитором, усиливая зрительское восприятие и придавая спектаклю визуальный смысл.

Практические навыки участники резиденции оттачивали на мастер-классах. Преподаватель кафедры сценической речи и вокала актерского факультета Дарья Петриченко провела занятия по сценической речи и постановке голоса. Доцент кафедры актёрского мастерства Михаил Милькис углубился в тонкости актерского существования на сцене, а старший преподаватель кафедры пластического воспитания актера Баир Засеев показал мастер-класс по сценическому движению. Для региональных театров и студентов это стал бесценный опыт соприкосновения с передовыми технологиями и школой, из которой выходят главные звезды современной сцены.

Горизонты живого театра

Значимым событием в рамках программы творческой резиденции стала пресс-конференция, на которой спикеры и эксперты фестиваля обсудили стратегическое будущее театрального искусства. Разговор получился предельно откровенным и затронул одну из самых острых тем современности — место человека в эпоху цифровых технологий и искусственного интеллекта. Константин Хабенский сформулировал ключевой тезис дискуссии:

— Театр прошлого, настоящего и будущего — при каком бы то ни было внедрении технологий — я вижу живым, про людей и для людей. Все остальное, если начинает мешать восприятию зрителя, увидеть себя, почувствовать что-то про себя, поплакать и посмеяться в темноте зрительного зала, должно отойти на второй план. Ведь недаром говорят, что театр — это храм искусства, а в храме можно позволить себе проявление любых эмоций. А что касается искусственного интеллекта — это, конечно, перспектива развития. Просто всё должно быть в меру. Нельзя пока что всё заменить ИИ.

Его позицию разделила и доцент кафедры искусствоведения и исполнительских искусств, художественный руководитель курса продюсерского факультета, кандидат искусствоведения Мария Малкина, акцентировав внимание на смысловой нагрузке:

— Театр будет жить и дальше, несмотря на цифровые технологии. Помните, говорили, что кинотеатр умрет, будет только телевидение. Но и театр есть, и цифровой театр есть. Другое дело, что содержание и смыслы зависят от идей. Эпохи отличаются не тем, что вы думаете, а тем, как вы думаете. И вот это «как» очень важно сегодня. Мы должны быть открыты новому, готовы воспринять то, что художник хочет в этот мир внести. Это желание понять другого, желание его услышать.

«Театральная дельта» доказала простую, но важнейшую истину: театр жив, пока он ищет, пробует и удивляется. На время проведения события Астрахань стала тем самым магнитом, где каждый — от народного артиста России до студента — открывал для себя грани мастерства. Фестиваль завершился, но его русла уже разлились по культурной карте страны, питая новые смыслы и таланты. И, как верно заметил Константин Хабенский, главное — «дерзать и не бояться открывать новые горизонты». Ведь именно за ними и начинается настоящее искусство.

Виктория ТЮРИНА, член Союза журналистов России.

Фото со страницы Астраханского драматического театра в соцсети «ВКонтакте».